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《爱乐之都》 “破局之作”

  • 文章来源:未知 / 作者:admin / 发布时间:2022-04-12
  •   摆在综艺人面前需要正视、需要直面的现实是——综艺创新正在衰减,综艺市场正在衰退,综艺气质正在衰老。所以,这是决定综艺产业生死攸关的一年,综艺人如果不能突围、不能突破,将会温水煮青蛙地越来越陷入困兽之斗。必须要放手一搏,必须要转守为攻。《爱乐之都》的主创们,显然就是直面现实的「真的勇士」,这部作品拿出了120%的诚意,

      音乐剧,成为《爱乐之都》质感的底色。这一在世界范围内有着百年文化沉淀,在中国范围内有了20年文化沉淀的艺术品类,这种厚实的文化筋骨撑起了《爱乐之都》质感的脊梁。

      以综艺为肉,以音乐剧为骨,二者相映成趣:一方面,综艺以其更多的手法,衬托出了音乐剧的高级感之美。电影感的开场、散文诗的旁白,影视、文学与音乐,三者形成通感;综艺以其更大的手笔,为音乐剧打造比线下舞台更加华丽的舞台、更加精致的设计。成名后致力于推广音乐剧的阿云嘎表示:“导演组非常用心,因为这样质量的戏,我是行业里的人,我特别知道有这样的呈现的戏,几乎是不多的,因为这投入太大了。”

      另一方面,音乐剧也启发着综艺走向更高阶的审美,启发综艺尝试更多的表现手法。比如作品《摇滚红与黑》中,两位演员,一位表演的是本体于连,一位表演的是内心于连。内心于连是本体于连的臆想幻化。如何表现内心于连突然分裂出来呢?这里运用了一个冰屏明暗与演员走位的配合,舞台调度与后期剪辑的配合。舞台上做了一个牢笼状的冰屏,灯暗时候演员走到固定位置,冰屏上显示的是事先拍摄的特效画面,演员站位与冰屏演员画面重叠,灯亮后演员走出。这种种做法电视节目用得不多,但在剧场却是惯用技巧。在相互赋能中,音乐剧有了更大的舞台,综艺有了更高级的形态。

      年轻人要不要偶像?要,当然要。这是未经世事的他们,懵懂之年找寻人生方向的启明。

      在科技圈儿里,要有他们的偶像,比如《未来中国》式的启智、爱智的科学青年团;在文艺圈儿里,偶像亦不可缺位,否则,此前畸形审美的「偶像」还会卷土重来。这也是东方卫视选择在我们再思考偶像这一命题的2022年,通过《爱乐之都》让中国音乐剧演员们在中国大众面前集体亮相的原因。在这个群像中,有音乐剧活化石郑棋元,音乐剧当红小生叶麒圣,音乐剧劳模夏振凯,音乐剧小白李紫婷,音乐剧编外人员刘思维……有前浪后浪同台,有师生同台。

      是精英的。只要看过一期节目的朋友,都会知道音乐剧演员,不但是实力派,还是全能实力派。音乐剧专业门槛非常之高,要求声、台、行、表、唱、跳俱佳,它不是大众式的文化,而是精英式的艺术,能够留在这个行业,能够站上这个舞台,都是精英中的精英。

      是炽热的。艺术与人,是相通的。什么样的艺术,修什么样的人。音乐剧的魅力与特质,就是表达饱满的情感、澎湃的心绪,将人物的内在转化为独白的旋律。因此,这也让音乐剧聚了一批心有烈火的人。因为热爱,所以将自己千锤百炼。郭耀嵘每天演几场戏,每年演几千场戏,才有了如今的唱功;因为热爱,所以才有集体使命感。郑棋元说“大家一起,其乐融融地把音乐剧这个事业搞好,这是最重要的事情”;叶麒圣说“使命感,让我们在这条路上,把这件事越做越好”;因为热爱,所以才珍惜同道中人。在阿云嘎出手保夏振凯时,全场欢呼,曹牧之说“这个就由内而外,台上台下都很热血啊,太燃了!”谁能想到,偏偏是我们以为最优雅的一门艺术,拥有了最热血的一群人。

      是踏实的。他们勤奋。“一年演出次数最多、病倒的那个人就是他,送进医院的就是他”,阿云嘎这么给观众们介绍叶麒圣;他们靠谱。面对质疑,跟夏振凯合作过的多名制片人现场站起身来力挺,他从未尬过戏,并且为了这个舞台,推掉了与他们的合作邀约。所以阿云嘎才说“这位在音乐剧行业里踏踏实实干了这么多年的人,我一定要保他。”

      大秀,一定要秀出意义。媒体是有选择权的,你要让怎样的人被大众所看见,怎样的人成为年轻人的楷模,选择,即是你的价值观。东方卫视选择音乐剧,选的不只是这门艺术,选的也是这门艺术中的人。

      其实,从节目小片中,我们可以看到,叶麒圣所到之处已经被包围得里三层、外三层,已经形成了“明星效应”。这是一个信号,表示着音乐剧正在上升期,预示着即将到来的爆发期。但是,它就只差一股东风,如今的音乐剧,有了小众热度,缺了大众热度。所以,东方卫视便在这爆发前夕,主动化为了吹起它大众热度的这阵东风。

      《爱乐之都》定位为“全产业链音乐剧文化推广节目”,仔细分析,你会发现,核心节目模式逻辑,都是服务大众认知。

      先通过小电影,情感层面让观众理解音乐剧的人物;再通过科普音乐剧,知识层面让观众了解音乐剧的属性;最后通过表演剧目,感观层面理解音乐剧的魅力。

      因为大众层面对音乐剧的了解并不深入,因此节目利用赛制,循序渐进地带领观众一层一层地深入了解,从初亮相、1V1对抗,到与他人合作,进行作品孵化。前期更侧重于经典作品科普,中后期则将结合中国本土文化,以国民现实生活、时代精神为创作源泉,进行中国原创音乐剧创编,以达到「不忘本来,吸收外来,面向未来」的节目落点。

      在首期中,一共上演了五部音乐剧选段。这是笔者觉得本期节目最用心之处,节目组极尽巧思,希望在一期节目中展现音乐剧最多元化的魅力,让观众爱上音乐剧:

      《歌剧魅影》代表的是经典的,它是「世界范围内音乐剧的伟大作品」,让观众们知道音乐剧的高峰;《马戏之王》代表的是现代的,演员的靓丽,旋律的时尚,杂技的元素,让观众们知道最标准的现代音乐剧模式;《阿波罗尼亚》代表的是流行的,这是2021年最火的音乐剧之一,它创新了「环境式音乐剧」的新模式,让观众们知道音乐剧除了经典,亦在发展,亦在创新。同时,五部作品的风格又各有特色,《摇滚红与黑》是哥特风的,《马戏之王》是浪漫风的,《阿波罗尼亚》是黑色喜剧的,《在远方》是都市奋斗的。这就表现了音乐剧魅力之所在,它可以表达的内容、故事、思想、风格,是非常多元、多变、多面的,这也意味着,音乐剧可能比传统音乐节目,有着更强的包容性与更大的延展性。而这,就为中国音乐剧原创留下了巨大的创作空间与艺术想象。比如本期节目被小柯高度评价的中国音乐剧原创作品《在远方》,「这是本场最舒服的一个表演,舒服来自于她说的是我们自己的故事,看起来很亲切,因为是用中文加中国人的音乐语言写的」,小柯本人也是中国原创音乐剧人,说来更有共鸣。

      在音乐剧市场起势之后,必然会有更多的音乐人承担起用音乐剧讲述中国故事、表达中国声音、发扬中国文化的责任与使命。值得我们关注的是,我们之所以能看到这么多经典剧目,依托的是东方卫视所属SMG的全媒体产业链优势,才能对接海内外最优势的音乐剧资源,引进了代表当前世界音乐剧最高水准的优质作品。从美国百老汇、伦敦西区的经典音乐剧,到正当红的德语、法语音乐剧,年轻人颇为青睐的韩国音乐剧,再到契合时代精神的高水平中文原创音乐剧,《爱乐之都》的舞台堪称「音乐剧佳作大观」,观众将通过类型多元的剧目、原汁原味的演绎,快速了解音乐剧这门综合性艺术的发展脉络与璀璨成果。可以说,没有这个前提,就没有《爱乐之都》。

      为了这样一部作品,上海已经准备了整整12年。从2010年,上海世博会举办,世界各地与中国原创剧目在上海集中公演,使得上海全年文艺演出首次超过2万场,音乐剧崭露头角;到2011年,上海文化广场率先提出打造「以音乐剧演出为主的专业剧场」,此后8年引进各国经典剧目、培育原创作品、孵化年轻演员;到2017年,上海首次提出打造「亚洲演艺之都」,音乐剧产业发展随之进入加速期;到2018年,上海演出行业协会提出「上海演艺新空间」建设,「演艺大世界」首创「星空间」的业态新模式;到2019年,持续多年羁绊的「原创华语音乐剧展演季」升级为「音乐剧节」,越来越多音乐剧人才聚集到上海;再到2022年,所有的蓄势,所有的前史,都交汇到一部上海市面对全中国的「全产业链音乐剧文化推广节目」——《爱乐之都》。

      如果说,从2010年到2021年,是音乐剧「从0到1」的过程,它在上海播种、生根、发芽;那么,2022年开始,则是音乐剧「从1到N」的历程,这个「1」是上海这个大本营,这个「N」则是《爱乐之都》辐射全国各地。

      因此,东方卫视对《爱乐之都》做了通盘规划。如今,上海音乐剧体量占到全国总盘的三分之一,有了最大规模的观众、最强势能的产业集群,最大规模的专业人才,东方卫视所操盘的,不仅仅是一档节目,而是一个从人才培养、到制作内容、到IP开发多个领域全方位布局的文化项目,真正放眼未来,推动产业转型升级,搭建全产业链平台业务。

      一个最典型的「从1到N」的举措,就是让《爱乐之都》进行30场的全国巡演,走出上海,走出屏上,落地到全国各地线下剧场,让这样一种在上海已经形成气候的高雅生活方式,成为国民文化生活的新选择。

      以前,所谓的大秀拉动的是偶像经济;但以2021-2022为分野,自《爱乐之都》始,拉动的是更高文化附加值的音乐剧产业,这就是社会文化资源的再选择、再配置,文化资源终于从「向下流动」转为了「向上流动」。

      面对综艺的低迷,面对偶像的失格,面对线下演艺的困局,我们太需要一个力作,重振信心,重建秩序。这拿出的不仅是一个台的实力,更是拿出了一座城的资源,去推动音乐剧在中国的进一步发展,中国原创音乐剧的进一步茁壮,让音乐剧这个「舶来品」染上「中国红」,成为中国与世界交流的全新艺术话语。在交流中,对话中,在碰撞中,升腾出一份有世界格局的文化自信。